Искусствовед Людмила Куликова: «Дайте художнику шанс на ошибку»

Людмила Куликова - искусствовед, лектор, писатель, литературный переводчик. Историю искусств изучала в Петербургской Академии Художеств, закончив ее в 1989 году. Автор серии статей и рецензий об изобразительном искусстве, автор двух альбомов о творчестве молдавских художников. В настоящее время ведет цикл лекций по истории художественных стилей. В интервью для сайта Noi.md она рассказала, для чего нужны искусствоведы в современном мире, зачем люди ходят на лекции по истории стилей, как бунтари от искусства становятся классиками и стоит ли ругать тех, кто творит что-то непонятное.

Людмила Васильевна, давайте поговорим о профессии искусствоведа. Зачем вообще нужны сейчас искусствоведы, востребованы ли они в ХХI веке в Кишинёве?

Это все равно, что спрашивать – востребованы ли художники, вообще представители духовной сферы. Я считаю, искусствоведы нужны для хотя бы того, чтобы популяризировать искусство. Они – своего рода проводники между миром искусства и просто миром. Переводчики и интерпретаторы искусства, особенно искусства современного ,объясняя его контекст, значимость и влияние на общество. Они помогают расшифровывать символику, стиль и техники, что способствует более глубокому пониманию искусства как формы выражения. Они – своего рода хранители культурного наследия и исследователи новых тенденций. Они, в конце концов, позволяют художникам лучше понять самих себя и вдохновляют их на креативность.

И неважно, где они живут, в Кишиневе или в любом другом городе. Современные средства связи позволяют приобщиться к любым культурным пластам в любой точке планеты.

Я считаю, это не необходимо. Я, например, читаю курс лекций и вижу, какой интерес вызывает эта тема.

Да, я наслышана о ваших лекциях по истории искусства. Расскажите, пожалуйста, подробнее, как этот курс вообще родился.

Этот проект родится у нас совместно с художником и преподавателем Сергеем Гуцу, который открыл студию в Доме печати, на Пушкина. У него там большой такой зал, где он обучает живописи и рисунку и два небольших зала, где он обучает керамике - и детей, и взрослых, причём он с детьми очень хорошо работает. Я просто это видела.

Мы с ним познакомились на выставке в венгерском посольстве (когда-то там проводились очень хорошие выставки) и он предложил мне читать лекции по истории искусств. У него в студии в 2018-м мы начали проект, но когда началась пандемия, он был приостановлен.

Поначалу людей немного ходило, ну я и тому была рада. Мне запомнилось, что многие заинтересовались лекцией по импрессионизму, да и на лекцию «Парсуна» (это тип старинного русского портрета) пришло довольно много слушателей. Идея проекта была в том, чтобы рассказать о художественных стилях. Начать решила с реализма. Конечно, я старалась давать материал в доступном стиле, с разъяснением терминов и понятий, которых в искусствоведении очень много. Если с Сергеем Гуцу был коммерческий проект (ему, как минимум, нужно было платить за аренду помещения), то сейчас я читаю цикл лекций в библиотеке имени Ломоносова, бесплатно.

А кто ваши слушатели?

Публика довольно разнообразная. Это инженеры, предприниматели, журналисты, художники,знаю нескольких врачей, которые посещают лекции постоянно .Студенты тоже приходят Последние – в меньшинстве. Аудитория в основном возрастная. Я вижу глаза слушателей, их внимание, интерес. Люблю, когда задают вопросы – значит, «зацепило».

На первую лекцию среди слушателей было несколько знакомых художников - Алексей Афанасьевич, Колыбняк, Виолетта Забулика-Диордиев, Татьяна Фрунзе…Вообще свою первую лекцию в библиотеке я запомнила очень хорошо. Прихожу, а света нет. Но Маргарита Юрьевна быстро нашла выход: и целый час я читала в темноте, при свечах. Получилось даже романтично.

Вы читаете лекции о художественных стилях?

Я начинала с общей характеристики стилей и направлений в изобразительном искусстве. В этом учебном году приступила к циклу лекций о модернизме. При этом постоянно думала - как подать, чтобы это не было слишком сухо, кондово. Очень не люблю банальность, штамповку. Ни в изобразительном искусстве, ни, к примеру, в поэзии, которую очень люблю. Иной раз читаешь стихотворение - вроде всё гладенько по стихосложению и рифмочка есть, а того, что, как говорят в народе, «за сердце взяло» -, нет, - то мне становится не просто неинтересно, а даже тоскливо.

Пользуясь случаем, приглашаю всех желающих на лекции. В конце марта, (традиционно женского месяца) прозвучит тема «Амазонки искусства модернизма» - о замечательной плеяде художниц конца 19-го - начала 20-го века. Следите за анонсом.

А постмодернизм будет?

Дело в том, что постмодернизм был, когда я давала историю стилей, их общую характеристику Я рассказывала, в частности, о Жорже Сера, его внимании к науке об оптике, картине «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», где он применил новую технологии наложения мазка – пуантилизм.

Сейчас я делаю акцент на философской идее того или иного направления, сравниваю и анализирую, прослеживаю истоки и эволюцию. Ведь предтечей кубизма был Сезанн, он видел мир в простых геометрических формах и создал то, что можно назвать «протокубизмом». Более того, кубистические приёмы были у Врубеля! Его живопись называли «кристаллической». Это школа Павла Чистякова… Остановите меня пожалуйста, а то опять начну читать лекцию на любимую тему! (смеется). О чем мы говорили?

Мы говорили о том, востребованы ли искусствоведы, и для чего вообще они нужны. О том, входит сейчас в задачи искусствоведа отрефлексировать то, что происходит на данном этапе с искусством. В частности, в Молдове.

Я считаю, что у нас в республике это, в общем то достаточно сложный вопрос. Я коснусь сейчас понятий «сritique d'art», то есть «критик искусства» и «искусствовед». Критик обычно занимается оценкой и интерпретацией конкретных произведений искусства, пишет рецензии, статьи или книги, делясь своим мнением и анализом произведений с общественностью. Я же, как искусствовед, больше говорю об истории, о философии появления того или иного стиля, пытаюсь разобраться, кто есть кто, что вообще есть что, и почему пришли фовисты и сказали: «Нет, мы не будем смешивать краски. Мы будем брать локальный яркий цвет, потому что мы не хотим копировать, а хотим себя выплеснуть на холст».

Говорить о существующих сейчас направлениях тоже, конечно, нужно. Существуют, говоря по очень упрощённой схеме, реалисты и абстракционисты. И те и другие творят интереснейшие вещи и вносят свой вклад в искусство.

Вообще, у меня есть такое желание: взять интервью и у реалиста, и у абстракциониста, и сопоставить их, а ставить точки над i, я думаю, не нужно.

Ну вот смотрите, нам казалось, что классическое традиционное искусство не нуждается в специальном разъяснении, а то, что называют современным искусством, нужно объяснять, иначе непонятно. А на самом деле нам же просто в школе ещё рассказывали, что художник хотел сказать то-то и то-то, то есть все равно оно нуждалось в каких-то объяснениях.

Вы имеете в виду живопись? Илья Ефимович Репин, передвижники и так далее?

Ну да. Было понятно, что вот это - бурлаки, а вот это - боярыня Морозова… Сейчас, когда нам показывают нефигуративную живопись, инсталляции, неподготовленный зритель мало что поймет… Как вы, с точки зрения теоретика, назвали бы современное искусство? Что это - вырождение или это шаг в новое, попытки найти новый язык?

Это попытки найти новый язык и показать то, что у тебя внутри. Это называется сейчас концептуальным искусством. Как сказал Достоевский, любой вид искусства имеет концепцию. Любой. Иногда об этом заявляют слишком эпатажным способом. Тот же Василий Кандинский. Пример с «Черным квадратом» Малевича очень затёртый, это уже штамп, но тем не менее. Парадокс его в том, что каждый задумывается о сложности чёрного квадрата, но это всего лишь черный квадрат и не более. Кстати, не такой уж чёрный: при проведении химического анализа оказалось, что художник применил и природную краску зеленоватого оттенка, и мел, чтобы убрать глянец, который присущ масляной живописи. Но главное, он хотел заявить что-то новое, никем ранее не созданное. Вот я спрошу: Светлана, а можете вы также нарисовать? Вы скажете: «Да». Вы спросите – могу ли я, и я скажу: «Да, и я могу». Каждый сможет. Но первооткрывателем он не станет. Так и нынешние приверженцы современного искусства – они не хотят без конца повторять то, что уже было до них, пусть и гениально созданное, они хотят искать и предлагать что-то свое, доселе небывалое, пусть даже в этом поиске будет много ошибок, ложных ходов, завихрений.

Я бы понятие «концептуальное искусство» заменила понятием «концепция в искусстве». Это разное. Мы скорее говорим о попытках продвинуть свою концепцию в искусстве, как это делал Эдуард Вюйар, используя звонкие чистые цвета. Вот два его портрета. Один – ну просто Ван Дейк: поворот три четверти, освещение, - все, как положено. На втором - жёлтыми пятнами – волосы, оранжевая борода, никаких лессировок. Зачем? Потому что он искал для образа новые пластические способы выражения. Он подвергал сомнению основу поверхности, играл с опорами и разрушал их, сосредотачиваясь на конфигурации сил и напряжений на поверхности холста. Таким образом, он уже показал концепцию в искусстве, а не изобрёл, например, «сфумато», как Леонардо да Винчи.

С помощью цвета Эдуард Вюйар искал новые художественные способы выражения.

Или Анри Матис и его «Танец», который произвел настоящую революцию в живописи. Эта картина стала одним из символов фовизма - нового художественного направления, которое отрицало традиционные представления о живописи. Тут и чистые, насыщенные цвета, которые создают ощущение динамизма и радости, и отсутствие перспективы, и фигуры людей, которые упрощены и схематичны, что отсылает нас к народному искусству.

Вот это и есть концепция. Между традиционалистами и новаторами существует, конечно, противостояние. И оно всегда было. Ещё в 1863 году в Академии художеств был так называемый «бунт четырнадцати», который возглавил, как оказывается, Крамской. Который для нас теперь классик. А тогда эти самые четырнадцать художников, прекрасно владевшие академическими навыками, выступили против устаревших эстетических взглядов. Они боролись за свободу выбора конкурсной темы, за право писать картины на животрепещущие вопросы современности, а не изображать сюжеты древних мифов и скандинавских саг…

К чему я это? Люди творческие всегда хотят чего-то нового и остановить эти поиски нового невозможно. Да и нужно ли?

Иван Крамской – не только классик, но и бунтарь, который боролся за право изображать простых людей, а не античных героев.

Хорошо, скотчем приклеенный банан - это новое?

Опять-таки, это попытка выразить свою какую-то концепцию.

Хорошо, каракули, которые может любой шестилетний ребенок нарисовать, но они, в отличие от произведений Сая Твомбли, не продаются за 800 000 $, это - новое или это нас пытаются, грубо говоря, развести?

Знаете, об этом Пикассо ещё сказал: «Я пытаюсь дурачить сиятельных посетителей и это даёт мне возможность зарабатывать». Это, конечно, нельзя назвать искусством, даже новаторским. Это хитроумие дилеров, владельцев галерей. Они крутят, вертят, попала в галерею твоя картинка - у тебя и банан примут. Придёшь в галерею Гуггенхайм, и можешь ногой открыть дверь и сказать: «Кофе мне, пожалуйста, потому что у меня в здесь в Гуггенхайме уже картинка есть!». Вот в чем дело.

Даже самые ярые поклонники современного искусства затрудняются ответить, в чем популярность произведений Сая Твомбли.

Ваш прогноз: это все к чему приведёт? К появлению какого-то нового языка в искусстве или это просто нормальный постоянный процесс отрицания отрицания, второй закон диалектики?

Я думаю, что так это и будет. Потому что было, к примеру, искусство Ренессанса, потом появляется Караваджо и говорит: «А я вам вот персонажей в подвал помещу, и вот такой вот свет дам и яркий цвет». И это уже новаторство, ведь его сначала не принимали, потом его борьба с маньеризмом и натурализм получили все более широкое распространение, и до Испании дошло, и до Франции дошло. И он стал тем самым Караваджо, чьи полотна сейчас ценятся очень высоко.

Я думаю, будет некое сосуществование старого и нового, и это совершенно нормально. Кто-то новое принимает, а кто-то отрицает, всегда будут очень противоречивые мнения. Это жизнь! И, может быть, было бы скучно, если бы не появился фовизм, Сезанн бы не выполнил своё обещание закидать Париж своими, сезанновскими, а не фламандскими яблоками, а Пикассо с Жоржем Браком не стали рисовать «кубики»...

То самое пресловутое современное искусство, к которому вы так скептически относитесь, - оно же очень неоднородно. Да, есть вещи, вызывающие, мягко говоря, недоумение. Но начнем с того, что искусство – это зеркало общества, отражающее его ценности, тенденции и проблемы. Каково общество – таково и искусство. И современное искусство не является исключением, оно олицетворяет дух времени и его эволюцию. Ведь современное искусство включает в себя огромное разнообразие форм и техник, которых не могло бы раньше просто по определению. Это и живопись, и скульптура, и инсталляции, и видео и интерактивное искусство, и цифровое искусство и многое другое. Многие художники современности объединяют в своем творчестве различные дисциплины, создавая работы, которые сочетают в себе элементы разных искусств, такие как музыка, театр, литература и технологии. То есть это экспериментаторство, и разве можно требовать, чтобы эксперимент всегда был удачным? Дайте художнику шанс на ошибку. Современное искусство – это не просто коллекция произведений, а окошко в разнообразие и творческую энергию нашего времени. Оно постоянно меняется, развивается и привносит новые идеи и перспективы в мир искусства и культуры.

Давайте теперь плавно перейдем к разговору о наших молдавских художниках, среди которых есть очень интересные. Их объединяют какие-то направления, какие-то школы или каждый творит сам по себе?Где они выставляются, насколько востребованы они что нужно делать для того, чтобы о них больше знали и даже монетизировали, что больше покупали их картины?

У нас действительно очень много талантливых интересных художников. Взять хотя бы уже упоминавшуюся Виолетту Забулику-Диордиеву. Насколько это утонченное творчество! Этот ее цикл, посвященный голландцам 17 века - какое бережное отношение к материалу, и при этом, конечно, своё видение. Выставки у нее были не только в Молдове, но и во многих других странах. Она хорошо известна и как иллюстратор - знаю, что она выиграла конкурс Андерсена на лучшую иллюстрацию детской книжки. У неё есть и станковые работы, она вообще интересно подаёт, я бы сказала, - элегантно.

Интересный график старой школы и выдающаяся личность – это, без сомнений Эмиль Килдеску. Кстати, его концепция в том, чтобы утвердить себя в старом искусстве, и что это лучше, чем придумывать что-то новое и не совсем умелое. Нельзя не назвать и такое имя как Алексей Колыбняк, у которого просто непревзойденная графика. Еще есть интересная художница Наталья Чёрная, которая работает в стиле стимпанк… Недавно ушедший из жизни Дмитрий Пейчев, оставивший после себя столько ярких полотен…

Честно говоря, самобытных художников у нас много, даже не буду перечислять, чтобы кого-нибудь не забыть.

А что касается вопроса, где они выставляются - художественная жизнь столицы бьёт ключом. Регулярно проходят выставки и в выставочном зале «Брынкуш», и в Художественном музее и во многих других галереях. Постоянно открываются новые локации. Кстати, на днях открылась интересная выставка Никифора Свиристухина (Николай Остапенко) в новой галерее «Фикус» на Ботанике. Зал оснащён специальным освещением и оборудованием, до мельчайших деталей продуман интерьер двух залов, где можно проводить творческие встречи и другие мероприятия. Небольшие, но интересные выставки бывают в бывшей академической библиотеке, которая сейчас носит имя Андрея Лупана. Так что те, кто интересуется живописью, без труда могут найти места, где можно познакомиться с творчеством отечественных художников.

Новая столичная галерея «Фикус» открылась выставкой работ Никифора Свиристухина.

Конечно, как и во всем мире, творят они по-разному. Кто-то на распутье, ищет себя, а есть те, кто верен своему пути. У нас сейчас, что называется, многоцветная палитра, на любой вкус. И это, я считаю, прекрасно!

Вопросы задавала Светлана Деревщикова